Pina Bausch: el cuerpo como lenguaje de lo indomesticable
Pina Bausch no bailaba para gustar, ni para adornar, ni para entretener. Bailaba para decir lo que no cabía en las palabras. En un escenario lleno de agua, sillas, flores, barro o cuerpos temblando, inventó una nueva forma de narrar con el cuerpo: visceral, frágil, brutal, poética. Pionera del Tanztheater —el teatro-danza alemán—, Pina Bausch transformó la historia de la danza contemporánea al romper los límites entre cuerpo y emoción, belleza y fealdad, gesto y palabra.
Contra el silencio: una danza que habla
Nació en 1940, en la ciudad alemana de Solingen, en plena Segunda Guerra Mundial. Estudió en la escuela de Kurt Jooss, figura clave del expresionismo alemán, y luego viajó a Nueva York, donde absorbió las influencias de la danza moderna, el jazz y la cotidianidad urbana. Pero su verdadero lenguaje surgió en los años 70, cuando se convirtió en directora artística del Tanztheater Wuppertal. Allí comenzó una revolución silenciosa, incómoda y hermosa.
En las obras de Pina, el cuerpo no ejecuta una técnica: recuerda, pregunta, llora, se resiste. Los bailarines no interpretan personajes, sino que exponen vulnerabilidades. Cada pieza es una constelación de movimientos, frases, objetos, repeticiones, preguntas abiertas: ¿qué es el amor? ¿qué significa envejecer? ¿cómo habita el miedo nuestros huesos?
Photo: Walter Vogel © Pina Bausch Foundation
Feminismo desde el cuerpo
Aunque nunca se proclamó feminista desde lo teórico, Pina Bausch puso en escena todas las preguntas del feminismo desde la experiencia encarnada. Sus obras muestran mujeres sometidas, deseadas, rotas, dulces, furiosas, envejecidas, poderosas… Humanas. Complejas. Reales. En su lenguaje coreográfico no hay heroínas ni víctimas, sino cuerpos que atraviesan y resisten.
En un mundo de danza dominado por la rigidez del ballet y la perfección corporal, Pina defendió lo irregular, lo torpe, lo imperfecto. Trabajó con intérpretes de todas las edades y cuerpos, dándole valor a la historia vivida en la piel. Su obra, así, no fue solo artística, sino política y afectiva.
Pina no coreografiaba, cultivaba
Su proceso creativo era profundamente colaborativo. No escribía pasos, sino que hacía preguntas: ¿Recuerdas una vez que te enamoraste? ¿Qué haces cuando estás solo? ¿Cómo camina el miedo? Y a partir de las respuestas emocionales de sus bailarines, tejía escenas que desbordaban las estructuras escénicas tradicionales.
Obras como Café Müller, Vollmond, Kontakthof o Nelken no son solo piezas de danza: son paisajes existenciales. La lluvia cae dentro de un teatro, una anciana baila con un joven, una mujer grita y se hunde en flores. Todo es símbolo y todo es real.
Legado: una danza que no se repite
Pina Bausch murió en 2009, pero su compañía sigue viva. Su trabajo inspiró al cine, la moda, el teatro, la performance, la filosofía. Wim Wenders le dedicó el documental Pina (2011), que capturó con sensibilidad el impacto emocional de su obra. Pero quizás su mayor legado es haber liberado a la danza del deber de complacer. Le dio permiso para doler, para fallar, para durar.
Hoy, en un tiempo donde los cuerpos vuelven a ser controlados, disciplinados, estetizados por el algoritmo y el mercado, la danza de Pina sigue latiendo como una trinchera poética. Nos recuerda que bailar no es moverse bonito: es existir desde lo más profundo.
“No me interesa cómo se mueve la gente, sino lo que la mueve.”
— Pina Bausch